Pappalardo cardinale dell’arte a Sagunto è un ritratto inedito di uno dei maggiori protagonisti del dopo concilio. Il quale, nella Palermo dominata dalla mafia, intuisce che l’arte contemporanea può costituire strumento di promozione umana e di evangelizzazione perché, oltre ad essere segno di bellezza, possiede la forza profetica dell’accusa e della liberazione. Non è un critico Salvatore Pappalardo, ma un vescovo affascinato dall’intelligenza di pittori e scultori nelle cui creazioni, sovente, riecheggia l’urlo di Giobbe e il canto delle Beatitudini.

Nel capoluogo siciliano Pappalardo è considerato defensor civitatis. Con le armi della ragione e della fede si ribella alla strategia del terrore, determinando nel popolo una decisa opposizione, che si radica nella parola biblica. Non teme di sfidare cosa nostra e di rinfacciare alla politica – con il Dum Romae consulitur Saguntum expugnatur pronunziato davanti alla bara di Carlo Alberto Dalla Chiesa – il disinteresse di Roma nei confronti di una Sicilia violentata.

Fin dai primi anni si fa promotore della riscossa morale servendosi anche del magistero dell’arte.  Convinto del suo valore nella formazione delle coscienze apre alla città il palazzo arcivescovile trasformandolo in sede di grandi esposizioni, cui partecipano maestri di generazioni e correnti diverse. Vasto, in Italia, il consenso di pubblico e stampa, attratti da opere che esprimono del secolo breve l’ansia catartica.

Coinvolgente libro, denso di mille vite. Delinea la figura anticonformista del cardinale di Sagunto, in dialogo con pittori e scultori, percepiti quali poeti e profeti, e lungimirante nel volere che l’arte costituisca, nella chiesa e nella società, sacramento di bellezza.   

Corrado Cagli - Giuditta

Nome file: 3-1978-II-cardinale-Pappalardo-inaugura-Tra-Piersanti-Mattarella-e-Giuseppe-Orlandi-la-seconda-rassegna-del-sacro-nellarte-contemporanea1.jpg

Floriano Bodini - Ritratto di un Papa

5- 1985 Pappalardo incontra ad Ardea- Roma Giacomo Manzù

Pappalardo incontra ad Ardea- Roma Giacomo Manzù

11- 1987 Bruno Cassinari - Presentazione al Tempio

12- 1986 Renato Guttuso dialoga, nella sua abitazione di Palermo, con Pappalardo

13- 1991 Totò Bonanno - Luce crocifissa

14-1988. Giuseppe Migneco e la moglie Speri accolgono, nella villa di Sirtori (Lecco), Pappalardo

A fine conferenza stampa Pappalardo offre a Marianne Ström la medaglia commemorativa di Tota Pulchra

Pericle Fazzini - Resurrezione

17- 1988 Mario Bardi - Santa Rosalia

18- 1988 Sebastiano Milluzzo - Sant Agata

19- 1988 Giuseppe Migneco - Santi Agatone Metodio, Leone II

L’artista svela, nell’incanto di una pittura esaltante il Rinascimento, l’essere di una donna gravida di dubbi e angosce, che accoglie un incomprensibile destino che la unisce al Figlio.

La realtà di Maria è pienamente umana, di donna splendente nella carne e inquieta nello spirito. Questa interiorità esistenziale affascina la ragione di Antonello il quale, nella sequenza di 17 ritratti, tenta di penetrare la mente di Maria, percepirne pensieri ed emozioni, ascoltarne i silenzi, interpretare lo sguardo suo inabissato nel vuoto.

Dà vita a una pittura profonda,  Antonello, rivelatrice della femminilità della fanciulla di Nazareth, della sua psiche, della sua intelligenza aperta al mistero. I ritratti, indubbiamente intellettuali, non sono destinati al devozionismo, bensì ma all’appercezione, poetica e teologica, di Colei che Dante dice: “rosa in che ’l verbo divino/ carne si fece. 

Sebbene denso di rimandi formali, evocazioni bibliche, riflessioni critiche, il libro, che si incentra sull’esegesi dei singoli ritratti, si sviluppa, diacronicamente in vari capitoli con una scrittura narrativa, talvolta empatica, tesa alla contemplazione dei capolavori del pictor cecilianus.

Antonello da Messina - Annunziata, Palermo, Galleria Regione della Sicilia, Palazzo Abatellis

Antonello da Messina, Annunziata , part. delle mani di Maria, Palermo, Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis

Antonello da Messina -Annunziata, Como, Pinacoteca Civica

Antonello da Messina -Madonna con Bambino, Londra, National Gallery

Antonello da Messina - Madonna con Bambino e due angeli reggicorona, Firenze, Galleria degli Uffizi

Antonello da Messina- Polittico di San Gregorio, part. di Maria, Messina, Museo Regionale

Antonello da Messina- Polittico di San Gregorio, part. di Maria e del Bambino, Messina, Museo Regionale

Antonello da Messina - Annunciazione, Siracusa, Galleria Regionale di Palazzo Bellomo

Antonello da Messina - Pala di San Cassiano, part. di Maria con il Bambino, Vienna, Kunsthistorisches Museum

Antonello da Messina - Crocifissionbe, part. di Maria Anversa, Musée Royal des Beaux-Art

Antonello da Messina, Annunziata , part. del volto di Maria, Palermo, Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis

Antonello da Messina - Annunziata, Monaco, Bayerische Staatsgemalde-sammlungen

1 Pubblico alla manifestazione

2 Giovanni Bonanno

Allievo di Francesco Messina all’Accademia di belle arti di Brera, dove emerge per intuito plastico, Floriano Bodini (nato a Gemonio, Varese, nel 1933, e morto, nel 2005, a Milano) attira, a metà anni cinquanta, la critica sia per le terrecotte, ritraenti alcuni familiari, scavati da tratti riconducibili al segno grafico fissato sui fogli, sia per le sculture lignee, arcaiche nel naturalismo purista dell’impianto, che raffigurano crocifissi e prostitute. Icone ascetiche, chiuse nella compattezza di una modellazione che rimanda a Wiligelmo, appaiono cariche di dolore. Totem sacri, vibranti nell’ombra, di Cristo e dell’uomo in una stagione asfittica per la fede. La povertà del legno secco interpella. Parla con gravità alla mente di metánoia, di cambiamento del pensare, di rifondazione della coscienza al cospetto di atrocità e indifferenza.

Tra il ’56 e il ’62 Bodini sceglie la contemporaneità, contrassegnata da Auschwitz e Hiroshima. Tralascia, provvisoriamente, il legno, elaborando nel bronzo immagini di persone conosciute con sintassi espressionista, che fonde la macerazione gotica e l’angoscia del novecento. Linguaggio inatteso, grave e sofferto. Indicativo di questo processo è l’appartenenza al gruppo milanese Realismo esistenziale, al quale aderiscono Banchieri, Ceretti, Guerreschi, Vaglieri, Romagnoni. Il gruppo, consapevole del presente, vuole manifestare con autenticità l’urgenza di far conoscere, ad opera di una figurazione graffiante, la disperazione del vivere. Non è possibile rinchiudersi nella fortezza estetica dell’astrazione, in un secolo in cui la forma umana è negata sino al genocidio dei lager nazisti e dei gulag sovietici e sino all’immane tragedia della seconda guerra mondiale con milioni di morti. È la realtà che deve sussistere nell’arte con i contenuti di una storia trafitta di cadaveri. Estetica pregna di etica è quella del Realismo esistenziale e di valori che riedificano umanamente l’uomo. Fantasmatica, talvolta surreale, nell’osservazione della routine, fatta di presenze vagolanti nell’assurdo, soffocate dal nichilismo, assordate non più dal rombo della guerra, ma dal deserto interiore.

Biografia inquieta di un personaggio femminile, bronzo,1976, (particolare)

Bodini incontra Papa Wojtyla 1987 presentazione dell'Evangelario

Floriano Bodini - Ritratto di un papa

Floriano Bodini ritocca i gessi di Gottinga

Paolo VI, Sacro Monte di Varese 1985

Ragazza e cane, bronzo, 1983

Ritratto di un papa 1968

Portale della Cattedrale di Palermo, tecnica mista 1994

Floriano Bodini - Amanti n°2

Floriano Bodini - Paolo VI

Floriano Bodini - Ritratto di un Papa

Floriano Bodini - Biografia inquieta di un personaggio femminile

Floriano Bodini dinanzi all'opera in legno di Paolo VI

Floriano Bodini - Paola la colomba e il giocattolo

Sei notti e un’alba tramano il capolavoro di Vladimir Maksimov che drammaticamente fonde interminabili lustri di paranoiche glorie e di angosce tenebrose. Si identificano con la vita dei Laskov, soprattutto del protagonista, Pëtr Vasil’evic, assertore di infallibilità, che si sente longa manus del potere e sua proiezione. Personaggio, intriso di arroganza, domina I sette giorni della creazione, la cui forma si colloca nell’alveo della grande letteratura russa, tesa a scandagliare l’abisso dell’io in rapporto agli uomini.

Vi è in questa opera la potenza ideativa di Tolstoij e Dostoevskij, ma anche l’inquietudine di Pasternak e la sua ansia di catarsi.

Massimov unitamente a Pasternak, Grossman, Solgenitzin e altri profeti dell’anima russa, squaderna una verità dolente e sublime. Da una parte ritrae l’orrore, dall’altra disegna orizzonti di primavera. Non resta sotto il macigno tombale, ma lo rivolta con il canto di risurrezione, che si innalza con la voce agonica di Pëtr e il vagito del neonato Pëtr. La macabra notte del sovietismo, personificata dal protagonista, giunge al termine alle prime luci dell’alba, che si svela nel pianto gioioso della nuova Russia, la cui fisionomia è quella di un bambino.

Timothy Verdon

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Ripercorre i momenti di maggiore pregnanza della pittura italiana ed europea, dal XIV al XVII secolo, collegandosi alla storia, alla civiltà letteraria e filosofica, alle vicende politiche e ideologiche della chiesa. Dominante è la centralità del corpo umano nel vissuto della fede e dell’arte. L’analisi mette a fuoco il sentimento religioso in rapporto al dolore e all’eros in artisti, intenti a svelare la dimensione antropologica e teologica di Cristo, della Vergine, dei santi.

Si articola in nove capitoli il volume che traversa le stagioni dell’umanesimo, del rinascimento e del barocco penetrando l’universo dei protagonisti, le idee e le tensioni, la poetica, l’ermeneutica e il linguaggio, il dubbio e la fede all’interno di capolavori frementi di sensi, umanità e mistero. La scrittura critica coinvolge, cronologicamente e geograficamente, Italia, Spagna, Francia, Olanda, Fiandre, Germania mettendo in rilievo le ragioni di opere colme di carnalità sacra, palpitanti di drammi e passioni.

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Seguendo l’iter diacronico, attraverso linguaggi e correnti, il volume pone l’accento su tre momenti fondamentali della civiltà: l’umanesimo del trecento e del primo quattrocento, che si impossessa della realtà; il rinascimento che, tra fine quattrocento e tutto il cinquecento, conosce la corporeità apollinea e il suo disfacimento; il barocco che, nel seicento e oltre, si inebria di carnalità dionisiaca, di cui sostanzia la vita. Lo studio ne intende approfondire il senso culturale con riferimento alla storia e alla gente, alla poesia e alla filosofia, alla teologia e alla chiesa, costatandone la pregnanza nelle opere, presenti all’interno del perimetro liturgico o nelle sale dei musei, firmate dai maestri dell’Europa latina e germanica. I quali, pur nelle complesse situazioni in cui sono costretti a vivere, si rivelano, con coscienza turbata, profeti dell’uomo e testimoni di drammi.

Il capitolo iniziale tratta della forma della bellezza e della sacralità dei corpi, secondo l’accezione scritturistica, evidenziando il superamento dell’astrazione bizantina, che ignora la natura. Gli altri capitoli percorrono, per summa capita, i secoli incentrando l’attenzione sugli agenti della storia, cioè sui protagonisti dell’arte, tralasciando minori ed epigoni, nella consapevolezza che non è la società che crea un genio, ma è questi, enigmaticamente apparso, a determinare il suo sviluppo e a influenzare le generazioni del tempo a venire. Il genio produce attorno a sé un movimento, centripeto e centrifugo, di innovazioni non esteriori, che riguardano la struttura della forma e l’interpretazione dell’esistenza. Non si tratta di mera invenzione di stile, bensì di inedita perforazione dell’io e del suo porsi al cospetto del Deus absconditus, rivelatosi Logos, incarnato nella carne di una donna per essere Figlio dell’Uomo, partecipe del destino di tutti.

Con la forza di una pittura materica, Giotto, nel XIV secolo, racconta la storia di Gesù e di Francesco; nel secolo XV Masaccio presenta alla speculazione filosofica la realtà di Cristo nella chiesa; prima Michelangelo, nel XVI secolo, poi Dürer, Tiziano, Grünewald, Tintoretto ritraggono il Servo di Jawé nel delirio della passione; nel XVII secolo Caravaggio, seguito da Rubens, Velasquez, La Tour, Rembrandt, esperimenta l’agonia della croce. È l’umanità di Dio il soggetto dell’arte sacra che insiste, radiografando le sofferenze degli umili, nel narrare la sua partecipazione alla vita.

Se l’inizio della pittura cristiana ha come baricentro Firenze e dintorni, presto la sua affermazione interessa parecchie regioni della penisola. Quindi si sviluppa in altre parte dell’Europa, come nei territori tedeschi e nelle Fiandre, con semantiche indicative di civiltà autoctone. Si ha, pertanto, una articolata geografia della creatività già a metà quattrocento. Durante il secolo successivo molte le interagenze delle nazioni che concorrono all’identità del rinascimento. Complessa si presenta la geografia del seicento, che in parte combacia con il vecchio continente e con le sue scuole d’arte nazionali, che parlano il barocco. Lingua italiana fondamentalmente. La quale da Roma si diffonde a Madrid, Parigi, Anversa, Amsterdam, Berlino, Monaco raggiungendo anche città del nord e dell’est. Lingua, immaginifica e suadente, che conquista e contamina le altre vulgate, rendendole fascinose, spesso musicali, pronte ad esprimere l’anima di popoli rimasti a lungo in silenzio.

In Italia si esprime con la visionarietà evocativa della decorazione, l’ombra avvolgente dei caravaggeschi, la sensualità dei frescanti in un tripudio di sensi che godono e vedono l’invisibile. Della Spagna traduce le emozioni del cuore, i palpiti dei mistici, la gravità dei pensieri, la dolcezza dei fanciulli. Eloquio colto è in Francia nel nome di una ragione geometrica, che si dispone a dialogare, dialetticamente, con la meditazione di Port-Royal. Seducente è la voce della carne nel trionfo cromatico delle Fiandre. Parola carica di mistero è quella che nasce nel buio dell’Olanda, illuminata dall’inquietudine della coscienza. Pur non giungendo ad autonomia mostra interesse la Germania a possedere, nella sua frammentazione, un’espressione autentica del barocco.

Indice: Una teologia della carne di Timothy Verdon; Introduzione; Forma della Bellezza; Riscoperta della realtà; Epoca di rivolgimenti; Rinascimento dell’uomo; Tensioni del Seicento; Barocco della carne; Barocco dell’Europa latina; Barocco dell’Europa germanica; Bibliografia.

Masaccio - Adamo ed Eva

Jean Fouquet - Madonna col Bambino

Antonello da Messina - San Sebastiano

Luca Signorelli - I dannati, part.

Leonardo Da Vinci - La Vergine delle rocce

Michelangelo - Crazione di Adamo

Michelangelo - Peccato originale

Michelangelo - Giudizio Universale, part.

Hieronymus Bosch - Incoronazione di spine, part.

Durer - Adamo ed Eva

Mathis Grunewald - Crocifissione di Isenheim

Raffaello - Disputa del sacramento

Tiziano - Maddalena

Tiziano - Noli me tangere

Tintoretto - Susanna e i vecchioni, part.

Pontormo - Deposizione, part.

Parmigianino - Madonna dal collo lungo

Caravaggio - Madonna dei Palafrenieri

Caravaggio - Davide con la testa di Golia

Caravaggio - Decollazione di Giovanni Battista

Rubens - Susanna e i Vecchioni

Rubens - Madonna con bambino

Orazio Gentileschi - Madonna con bambino

Artemisia Gentileschi - Giuditta e Oloferne

Simon Vouet - Tentazione di San Francesco, part.

Georges de la Tour - Il Neonato

Rembrandt - Il figlio prodigo

Zurbaran - Santa Margherita

Velasquez - Adorazione dei Maggi

Velasquez - Crocifissione

Maurizio Calvesi

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Si propone di essere come un cammino interiore dell’arte contemporanea Profezia dell’Arte Contemporanea attraverso le tensioni spirituali, i temi legati alla condizione dell’uomo, le opere pittoriche e scultoree che ritraggono l’urgenza di Dio, espressi da maestri che determinano o significano il XX secolo.

Di là dall’identikit formulato da certa critica e dal mercato, il libro tende a mettere in luce la creatività di artisti capaci di porsi al cospetto del dolore e della croce, nel desiderio di avere e di dare una risposta agli interrogativi dell’esistenza. Relazionandosi alla cultura moderna percorre, trasversalmente, a grandi linee, i movimenti più rappresentativi, dall’inizio del Novecento sino alla vigilia del terzo millennio, per imbattersi in personalità che vivono, secondo la propria misura, l’esperienza religiosa, partecipe talvolta della fede.

Il quadro che ne scaturisce è problematico. Riflette la situazione di un’epoca secolarizzata, che si vota al nichilismo. La chiesa è emarginata dalla intelligentia che la considera fuori dal tempo. Anche l’arte è diffidente e ignora le ragioni del mondo cattolico che, per reazione, si rinchiude in se stesso. Tale stato di rifiuto delle parti provoca disaggio in filosofi come Maritain, artisti come Rouault, sacerdoti come Montini.

Assumendo il senso biblico di profezia, il libro, che si struttura in tre sezioni, tende a evidenziare la forza morale insita nei manufatti dei maestri europei, appartenenti a ideologie e semantiche diverse, che si fanno difensori, in stagioni di lager e genocidi, della libertà e della dignità umana. Profeti che non si lasciano imbavagliare da totalitarismi e violenze: gridano in difesa di deboli e vinti con opere straordinarie.

Ruolo di protagonisti hanno personalità come Arturo Martini, Otto Dix, Oskar Kokoschka, Gino Severini, Giacomo Manzù, William Congdon, Pericle Fazzini, Renato Guttuso.

Indice: Presentazione di Maurizio Calvesi. Parte Prima: valori etici dell’arte. Profezia; Un secolo di profeti; In nome dell’uomo; Urgenza di apertura; Attesa dell’alba; Forma della luce; Accanto alla Sistina; Sacro a Palermo; Chiesa dipinta; Evangeliario Italiano; Fuori dal tempio; Possibile futuro. Parte Seconda: alcuni protagonisti del sacro. Conti fra gnosi e ascesi; Guttuso a Damasco; Davanti alla porta di Manzù; Resurrezione secondo Fazzini; Lungo il calvario con Spinosa; Bodini e papa Amleto; Cardinale degli artisti. Parte Terza: antologia di scritti. Tensioni della contemporaneità; Bibliografia.

Georges Rouault - Cristo in croce

Georges Rouault - Ragazza allo specchio

Arturo Martini - Maternità

Otto Dix - Grande Resurezzione

A. Giacometti - Donna nuda in piedi

Sutherland - Crocifissione

Ferruccio Ferrazzi - L'Apocalisse

Giorgio De Chirico - Cristo Divino Lavoratore

Marc Chagall - Resurrezione

M. Marini - Cavaliere

Primo Conti - Percussus a Deo

Giacomo Manzù - Grande cardinale seduto

Fausto Pirandello - Crocifissione

Renato Guttuso - Crocifissione

Pericle Fazzini - Resurrezione

Alberto Burri - Rosso

Floriano Bodini - Ritratto di un Papa

William Congdon - Crocifisso

L’opera di Migneco altro non è che scandaglio della natura, significata dalla Sicilia e da quanti l’abitano. Terra di miti e di storia che si tramuta in metafisica. Pertanto terra immobile. Effimeri mutamenti che interessano. Sono come la stagioni che si ripetono ciclicamente e restano identiche. Nulla è nuovo. Tutto è antico. L’uomo che l’artista ricrea ha il volto arcaico dei coloni greci, solcato dalla fatica e oppresso dalla “tuke”. Uguale la sua realtà nel tempo e nello spazio di ieri e oggi. Sempre lo stesso il naufragio.

Pittura della realtà, non dell’idea quella di Migneco. Il quale antepone la sua forma all’idea razionale del Novecento che gli appare come negazione del dramma che si consuma nell’Europa delle dittature.

Giuseppe Migneco - La Vedova

Giuseppe Migneco - Donna con anfora

Giuseppe Migneco - Agavi

Giuseppe Migneco - Pescatore verde

Giuseppe Migneco - Lo specchio a tre facce

Giuseppe Migneco - Donna con bambino

Giuseppe Migneco - Gli sposi

Giuseppe Migneco - Pescatrice

Giuseppe Migneco - Autoritratto con pipa

Giuseppe Migneco - Contadina

Giuseppe Migneco - Donna con bambino

Giuseppe Migneco - Giocatore di carte

Giuseppe Migneco - Pigiatore di uve

Giuseppe Migneco - Ritratto del padre

Giuseppe Migneco -Vaso di fiori